INTERVALO CON LA DANZA :ADAM " GISELLE " BALLET KIROV EN EL TEATRO MARIINKY - RUSIA - POR RITA AMODEI

Primer acto En los valles cercanos al Rin vive Giselle, una campesina de gran belleza y extremada inocencia. Giselle desea ante todo bailar, pero es reprimida constantemente por Berther, su madre, quien teme, debido a su frágil y quebradiza salud, que Giselle muera doncella antes de su boda, convirtiéndose así para la eternidad en una Willi, (espíritus nocturnos del bosque que matan a los hombres que están en él después de la media noche). Albrecht, duque de Silesia, corteja a Giselle haciéndose pasar por Loys un apuesto aldeano llegado a la vendimia, mientras Hilarión, el guardabosque que está profundamente enamorado de Giselle, sospecha de la identidad y del engaño del forastero.La corte del príncipe de Courtland, regresando de una cacería, hace un alto en el camino en la casa de Giselle para comer y beber, Bathilde la hija del príncipe y prometida de Albrecht se impresiona por el encanto de Giselle y se hacen confidencias sobre sus amoríos sin saber ninguna de las dos que ambas aman al mismo hombre.En el pueblo se celebra la fiesta de la vendimia y los jóvenes del pueblo eligen a la reina, honor que recae en Giselle, quien con permiso de su madre baila para todos. Hilarión entre tanto descubre la verdadera identidad de Albrecht, y aprovecha la presencia de la corte y de su prometida Batidle para desenmascararle.Giselle es sorprendida por el engaño y su inocencia se ve rota por la traición, haciéndola caer en una desesperación que la arrastrará hacia la locura y la muerte. Segundo acto Hilarión acude al bosque para visitar la tumba de su amada y es sorprendido por la media noche y con ella la llegada de las Willis. Myrtha,, su reina, es la encargada de hacer la llamada a las Willis para iniciar así, una noche más, el ritual de la venganza, siendo Hilarión su primera victima. Al oír pasos las Willis desaparecen, es Albrecht que se acerca, siente tanto arrepentimiento que se ha adentrado en el bosque buscando la tumba de Giselle y suplicar su perdón. Giselle se hace visible conmovida por su arrepentimiento e intenta prevenirle para que se marche del bosque, pero ya es tarde y la implacable Myrtha ordena a las Willis atraer a Albrecht hasta su presencia donde haciéndole bailar conseguirán quitarle la vida. La fuerza del amor que Giselle siente en su interior será la salvación de Albrecht, dándole su aliento y haciéndole resistir vivo hasta la llegada del alba. Con el amanecer las Willis desaparecen, y así Giselle tiene que despedirse de su amado para siempre, Albrecht trata inútilmente de retenerla pero ella tiene que seguir su triste destino envuelta en esa maldición provocada por el engaño y la traición del hombre. Ballet Giselle Música: Adolphe Adam (1803 - 1856). Coreografía: Jean Coralli (1779-1854) y Jules Perrot (1810 - 1892). Libreto: Jules Henry Vernoy (1799 - 1875) y Theóphile Gautier (1811 – 1872).

ERICH LEINDORF-LAURITZ MELCHIOR-KIRSTEN FLAGSTAD-- R. WAGNER :"TANNHAUSER " .DEDICADO A ROBERTO FALCONE - OPERA CLUB - POR RITA AMODEI

This is one of the greatest live opera recordings I've ever heard. The singers are perfection, dramatic and thrilling. The conducting is superb. You can hear Toscanini's influence on Leinsdorf. Singers of this caliber no longer exist. This is a living relic of a lost tradition - a museum quality, ideal realization of Wagner. Enjoy! Lauritz Melchior, Kirsten Flagstad, Herbert Janssen, Kersten Thorborg. Erich Leinsdorf conductor World peace through art. Tannhäuser y el torneo de trovadores del castillo de Wartburg Tannhäuser und der Sängerkrieg auf Wartburg Tannhäuser en el Venusberg. Género gran ópera romántica (Grosse romantische Oper) Basado en dos leyendas medievales sobre el caballero cruzado Tannhäuser Actos 3 actos Idioma Alemán Música Compositor Richard Wagner Puesta en escena Lugar de estreno Hofoper Dresde Fecha de estreno 19 de octubre de 1845 Personajes Conde Hermann, landgrave de Turingia (bajo) Heinrich Tannhäuser, caballero trovador (tenor heroico) Wolfram von Eschenbach, caballero trovador (barítono) Walther von der Vogelweide, caballero trovador (tenor lírico) Biterolf, caballero trovador (bajo) Heinrich der Schreiber, caballero trovador (tenor lírico) Reinmar von Zweter, caballero trovador (bajo) Elisabeth (soprano lírico-spinto) Venus (mezzosoprano o soprano dramática) Un pastor (soprano) Cuatro pajes (2 sopranos, 2 contraltos) Nobles, peregrinos, sirenas, náyades, ninfas, sátiros[1] Libretista el compositor Duración 3 horas Producción de Werner Herzog, Sevilla, 1997. Producción de Werner Herzog, Sevilla, 1997.Tannhäuser y el torneo de trovadores del castillo de Wartburg (título original en alemán, Tannhäuser und der Sängerkrieg auf Wartburg) es una ópera en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner, basada en dos leyendas alemanas. Wagner utilizó principalmente dos historias que aparecen en la obra de Ludwig Bechstein, entre otras fuentes: una de ellas es la leyenda del caballero Tannhäuser y la otra es la llamada Der Sängerkrieg auf der Wartburg, es decir el «concurso de canto del Castillo de Wartburg». Los temas principales de la ópera son la lucha entre el amor sagrado y profano, y la redención a través del amor, tema dominante en gran parte de la obra de Wagner. Wagner dirigió el estreno en Dresde en 1845. Su sobrina, Johanna Wagner, interpretó el papel de Elisabeth. Existen cuatro versiones de la ópera; la tercera, la versión de París, es la que se suele interpretar con más frecuencia. En España se estrenó el 11 de febrero de 1887, en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, cantada en italiano y en la versión de París. En Buenos Aires, Argentina se estrenó en 1901 en el Teatro Colón con la compañía italiana de Luigi Mancinelli con Hariclea Darclée y Alessandro Rosanoff. En el Metropolitan Opera se estrenó en 1884. La ópera es una de las integrantes del Canon de Bayreuth. Esta ópera sigue en el repertorio, aunque no está entre las más representadas; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 53 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 14.ª en Alemania y la sexta de Wagner, con 82 representaciones.

JAMES LEVINE-DOLORA ZAJICK-PLACIDO DOMINGO-APRILLE MILLO : G. VERDI : AIDA POR RITA AMODEI

Aída fue estrenada, sin la presencia de su autor, en el Teatro de la Ópera del Cairo, un año mas tarde, el 24 de diciembre de 1871. La representación fue grandiosa, como detalle citaremos que la corona que ceñía Amneris era de oro macizo y las armas de Radamés de plata. Fueron sus protagonistas Antonietta Pozzoni (Aída), Pietro Mongini (Radamés), Eleonora Grossi (Amneris), Francesco Steller (Amonastro), el foso estaba dirigido por Giovanni Bottesini. Dos meses mas tarde se estrenó, con la presencia de su autor, en el Teatro de la Scala de Milán, el 8 de febrero de 1872. El papel de Aída fue cantado por Teresa Stolz (1834 – 1902) que tanta influencia tendría a lo largo de la vida de Verdi. Constituyó un éxito clamoroso y el maestro tuvo que salir a saludar 32 veces. En esta versión de la Scala, que ha quedado como definitiva, Verdi le añadió la famosa aria para soprano O patria mia. Los autores del libreto fueron Antonio Ghislanzoni y Camille du Locle, en estrecha colaboración con el propio Verdi. Se basa en el drama homónimo de Auguste Mariette Bey, insigne egiptólogo. El libreto, en italiano, está dividido en cuatro actos y tiene una duración de 2 horas y media.

DIA INTERNACIONAL DEL ANIMAL .EN RECUERDO DE MODOC . DEDICADO A LOS HIJOS DE NATALIE DESAY Y LAURENT NUILLI POR RITA AMODEI

Camille Saint-Saëns - Le Carnaval Des Animaux (Karnawał Zwierząt) Slovak Philharmonic Orchestra - Bystrick Rezucha 1 - Introduction & Royal March Of The Lion (Wstęp i marsz królewski lwa) ..... 0:00 2 - Hens & Cockerels (Kury i koguty) ..... 2:18 3 - Wild Asses (Kułany) ..... 3:07 4 - Tortoises (Żółwie) ..... 3:42 5 - The Elefant (Słoń) ..... 5:46 6 - Kangaroos (Kangury) ..... 7:10 7 - Aquarium (Akwarium) ..... 8:13 8 - Creatures With Long Ears (Osobistości z długimi uszami) ..... 10:45 9 - The Cuckoo In The Depths Of The Woods (Kukułka w głębi lasu) ..... 11:32 10 - Aviary (Ptaszarnia) ..... 13:24 11 - Pianists (Pianiści) ..... 14:37 12 - Fossils (Skamieliny) ..... 15:57 13 - The Swan (Łabędź) ..... 17:19 14 - Finale (Finał) ..... 20:14 Modoc: La verdadera historia de la más grande de elefantes que ha vivido es un libro escrito por el estadounidense escritor Ralph Helfer y publicado en 1998. It tells the story of a boy and an elephant and their fight to stay together across three continents. Cuenta la historia de un niño y un elefante y su lucha para permanecer juntos en tres continentes. Resumen del diagrama Modoc tells the story of Bram, a German boy , and his elephant, Modoc. Modoc cuenta la historia de Bram, un niño alemán , y su elefante, Modoc. Bram and Modoc are born on the same day and the same hour. Bram y Modoc nacen el mismo día ya la misma hora. Brams' father wished for a boy and girl. Padre de Brams 'deseado un niño y una niña. He felt his dream was fulfilled. Sintió que su sueño se cumplió. Brams' father is a third generation elephant trainer and from an early age Bram followed in his father's footsteps. Padre de Brams 'es un entrenador de la generación de tercer elefante, y desde una edad temprana Bram siguió los pasos de su padre. Brams' family is unique in the way they trained the elephants. Brams familia es único en la forma en que entrenó a los elefantes. Instead of threat and intimidation the elephants are treated with praise and respect. En lugar de la amenaza y la intimidación a los elefantes son tratados con elogios y respeto. Once old enough Modoc begins to perform in the circus. Una vez lo suficientemente Modoc edad comienza a actuar en el circo. The circus owner fell ill and the circus is sold to an American , Mr. North. El circo, el propietario se puso enfermo y el circo se vende a un americano del Norte, el Sr.. Bram is unwilling to be parted from his elephant and acts as a stow away across the Indian Ocean . Bram no está dispuesto a separarse de su elefante, y actúa como un polizón en todo el Océano Índico . The ship is wrecked, leaving Modoc, Mr. Pitt, Bram and others adrift in the ocean. El barco naufraga, dejando Modoc, Pitt, de Bram y otros a la deriva en el océano. The survivors stay afloat on Modoc's back until help comes for them at the last possible second. Los sobrevivientes de mantenerse a flote en la parte posterior de Modoc hasta que llegue la ayuda para ellos en el último segundo posible. Modoc and Bram recuperate in India where Bram [learns much about elephant training and care at the Elephantarium as well as Indian life becoming a favorite 'son' of the maharaja]. Modoc y Bram recuperarse en la India , donde Bram [aprende mucho acerca de entrenamiento de elefantes y el cuidado en el Elephantarium, así como la India la vida convirtiéndose en un favorito 'hijo' del maharajá]. Afraid the circus owner will find them, boy and elephant flee into the teak forests and [is able to] join the ranks of the mahouts and marry a village daughter because of his 'son of the maharaja' status. Miedo de que el dueño del circo los encontrará, niño y el elefante huir a los bosques de teca y [puede] unirse a las filas de los mahouts y casarse con una hija de su pueblo, porque el hijo del Maharajá de estado. Rebels eventually take the town, killing Bram's wife along with many of the population. Los rebeldes finalmente tomar la ciudad, mató a la esposa de Bram, junto con muchos de la población. The circus owner is unexplainably able to find them through the rebellion and transports Modoc and Bram to America where they become stars of the big top. El dueño del circo es inexplicable capaz de encontrar a través de la rebelión y la transporta Modoc y Bram a América, donde se convierten en estrellas de la gran carpa. Modoc survives a poisoning attempt, a fire and a hook-wielding drunk before the circus owner decides she is too scarred to appear in the ring any longer and sells her without Bram's knowledge. Modoc sobrevive a un intento de envenenamiento, un incendio y un borracho de gancho en mano, antes de que el dueño del circo decide que es demasiado marcada a aparecer en el ring por más tiempo y se vende sin ella el conocimiento de Bram. Ten years pass in which Modoc's life deteriorates into abuse until she is purchased by Ralph Helfer, a Hollywood animal trainer. Diez años pasan en el que la vida de Modoc se deteriora en el abuso, hasta que es adquirido por Ralph Helfer, un Hollywood entrenador de animales. Helfer nurses her back to health and is surprised to find the variety of acts she already knows. Helfer amamanta a su regreso a la salud y se sorprende al ver la variedad de actos que ya conoce. Drawn by their supernatural connection, Bram locates her some years after. Atraídos por su conexión con lo sobrenatural, localiza Bram ella unos años después. They spend the rest of their lives in constant contact [at Helfer's ranch], nursing one another through old age. Pasan el resto de sus vidas en constante contacto [en el rancho de Helfer], enfermería entre sí hasta la vejez. Bram is first of the pair to die, saying he is going to show Modoc the way. Bram es el primero de la pareja a morir, diciendo que él va a mostrar el camino de Modoc.

INTERVALO CON LA DANZA :RUDOLF NUREYEV -TCHAICOVSKY : EL CASCANUECES POR RITA AMODEI

El cascanueces (en ruso: Щелкунчик, Schelkúnchik) Op. 71 es un cuento de hadas-ballet en dos actos y tres escenas de Piotr Ilich Chaikovski (1840–1893), compuesto en 1891–1892. Chaikovski puso música a la adaptación de Alejandro Dumas (padre) del cuento El cascanueces y el rey de los ratones, de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann (puesta en escena por Marius Petipa y encargado por el director de los Teatros Imperiales Iván Vsevolozhski en 1891). En los países occidentales El cascanueces se ha convertido quizá en el más popular de todos los ballets, principalmente representado en Navidad. Chaikovski hizo una selección de ocho de los números del ballet antes de su estreno en diciembre de 1892, formando La suite de El cascanueces Op. 71a, concebida para tocar en concierto. La suite se tocó bajo la dirección del compositor, el 19 de marzo de 1892, con ocasión de una reunión de la sucursal de San Petersburgo de la Sociedad Musical.[1] La suite se volvió popular desde entonces, aunque el ballet completo no logró su gran popularidad hasta los años 1960. Entre otras cosas, la música de El cascanueces se conoce por su uso de la celesta, un instrumento que el compositor ya había empleado en su balada sinfónica mucho menos conocida, El Voivoda (estrenada en 1891). Aunque se conoce como el instrumento solista presentado en el acto II de la Danza del Hada de Azúcar, la celesta se emplea en otras partes del mismo acto.

JAMES LEVINE- PLACIDO DOMINGO-RENEE FLEMING-JAMES MORRIS .G.VERDI : "OTELLO " POR RITA AMODEI

ComposiciónTemprano retiro de Verdi Después de terminar y estrenar su ópera Aída en 1871, Verdi decidió que era el momento de poner fin a su exitosa carrera como compositor de ópera, aunque era fácilmente el más popular, y posiblemente el más rico, compositor de Italia de la época, en gran medida como Rossini había hecho después de terminar la ópera Guillermo Tell. Ricordi y la "intriga" para sacar a Verdi de su retiro Debido a la inmensa popularidad de la música de Verdi en Italia en los años setenta, el retiro de Verdi le pareció a su editor, Giulio Ricordi, una forma de malgastar su talento y perder posibles beneficios. De esta manera surgió una especie de intriga para obligar al compositor a salir de su retiro para escribir otra ópera. Debido a la importancia de los aspectos dramáticos de la ópera para el compositor, Verdi era especialmente selectivo en su elección de temas. En consecuencia, si iba a mostrarse conforme en crear otra ópera, después de una década de retiro, el libreto debía captar su interés. Era de conocimiento general que Verdi admiraba las obras teatrales de Shakespeare y que había, a lo largo de su carrera, deseado crear óperas basadas en las tramas shakespearianas. Sin embargo, su único intento, Macbeth (1847), aunque al principio tuvo éxito, luego no fue bien recibida cuando la revisó para interpretarla en París en el año 1865.[3] Debido a su historia relativamente directa, la obra Otelo fue elegida como un objetivo probable. Propuesta y Arrigo Boito Finalmente, después de planearlo, Ricordi, junto con el amigo de Verdi, el director Franco Faccio, sutilmente insinuaron a Verdi la idea de una nueva ópera. Durante una cena en la residencia milanesa de Verdi durante el verano de 1879, Ricordi y Faccio llevaron la conversación hacia la obra de Shakespeare Othello y al libretista Arrigo Boito (de quien Ricordi decía que era también un gran fan de la obra). Se hicieron sugerencias, a pesar del escepticismo inicial por parte del compositor, que Boito estaría interesado en crear un nuevo libreto basado en la obra. En pocos días, llevaron a Boito para que se encontrase con Verdi y le presentara un esquema de un libreto para una ópera basada en Othello. Sin embargo, Verdi, aún manteniendo que su carrera había terminado con la composición de Aída, hizo muy poco progreso en la obra. A pesar de todo, las colaboraciones con Boito en la revisión de la anterior ópera Simon Boccanegra ayudó a convencer a Verdi de la capacidad de Boito como libretista. Finalmente, comenzó la producción de la ópera, que Verdi inicialmente llamó Iago. Terminación y producción Conforme el público italiano se hizo consciente de que el retirado Verdi estaba componiendo otra ópera, abundaron los rumores al respecto. Al mismo tiempo, la mayor parte de los directores ilustres de Europa, cantantes y gerentes de teatros de ópera, estaban ansiando tener la oportunidad de participar en el estreno de Otelo, a pesar del hecho de que Faccio y La Scala de Milán, ya habían sido seleccionados como director y local del estreno. Se habían seleccionado los dos protagonistas masculinos, también: el más destacado tenor dramático de Italia, Francesco Tamagno, iba a cantar Otelo mientras que el estimado actor-cantante francés Victor Maurel asumiría el rol barítono del perverso Yago. Romilda Pantaleoni, una actriz-cantante bien conocida, obtuvo el papel de Desdémona, para soprano. Al terminarse la ópera, se hicieron preparativos para la representación inicial en absoluto secreto, reservándose Verdi el derecho de cancelar el estreno hasta el último minuto.

FIORENZA COSSOTTO SU CUMPLEAÑOS ..MASCAGNI :CAVALLERIA RUSTICANA POR RITA AMODEI

ASIDUA VISITANTE DEL TEATRO COLON DE BUENOS AIRES , LA SUNTUOSA VOZ DE FIORENZA COSSOTTO LLENO A PLENO LA GRAN SALA . DURANTE MAS DE UNA DECADA FUE GUEST START JUNTO A SU ESPOSO EL BAJO IVO VINCO. QUIENES TUVIMOS EL PLACER DE CONOCERLA PERSONALMENTE GUARDAMOS EN NUESTRA MEMORIA SU CALIDAD ARTISTICA Y PERSONAL . LA SALUDAMOS EN SU CUMPLEAÑOS , 22 DE ABRIL CON AFECTO . RITA AMODEI

FIORENZA COSOTTO .SU CUMPLEAÑOS 22 DE ABRIL POR RITA AMODEI

ASIDUA VISITANTE JUNTO A SU ESPOSO IVO IVINCO DEL TEATRO COLON DE BUENOS AIRES , LA VOZ SUNTUOSA DE ESTA GRAN MEZZO SOPRANO LA HIZO FAVORITA DEL PUBLICO ARGENTINO Y DEL MUNDO . LOS QUE TUVIMOS EL PLACER DE CONOCERLA PERSONALMENTE SABEMOS DE SU SEÑORIO ESCENICO Y SUS CUALIDADES SUPERLATIVAS COMO ACTRIZ QUE JUNTO A SU MUSICALIDAD Y AFINACION PERFECTA UBICA A FIORENZA COSOTTO ENTRE LAS MEZZOS DE ANTOLOGIA . CON MOTIVO DE SU CUMPLEAÑOS LA SALUDAMOS CON AFECTO . RITA AMODEI

OPERA NACIONAL DE PARIS :SOLISTAS,CORO Y ORQUESTA . OFFENBACH :"LA BELLA HELENA" POR RITA AMODEI

La Bella Helena es una opereta bufa en tres actos, con música de Jacques Offenbach (Colonia 1819 – París 1880) y libreto en francés de Henri Meilhac (1831 – 1897) y Ludovic Halèvy (1834 – 1908). Se estrenó en el Théâtre des Variétés de París, el 17 de diciembre de 1864, siendo cantado el papel de Helena por la soprano Anna Judic. Jacques Offenbach, aunque de origen alemán, se nacionalizó francés. Su apellido original era Eberst, pero su padre lo cambió por el de la ciudad donde había nacido Offenbach am Main. Considerado como el creador de la opereta moderna y de la comedia musical, y uno de los compositores más influyentes de la música popular europea del siglo XIX. Personajes Menelao — Rey de Esparta — tenor Helena — Esposa de Menelao — mezzosoprano Paris — Hijo del Rey Príamo de Troya — tenor Agamenón — Rey de Micenas, Rey de Reyes — bajo Calchas — Augur de Júpiter — barítono Orestes — Hijo de Agamenón — mezzosoprano Aquiles — Rey de Tiótida — tenor Áyax Primero — Rey de Salamina — tenor Áyax Segundo — Rey de Locria — barítono Bacchis — Doncella de Helena — soprano Parthenis — Cortesana — soprano Leona — Cortesana — soprano Argumento La acción se desarrolla en Esparta, poco antes de la partida de los griegos para la guerra de Troya. Acto I En Esparta, mientras el Gran Augur de Júpiter, Calcas, se queja de la decadencia de los sacrificios a los dioses, la reina Helena, que languidece en su matrimonio con el débil rey Menelao, se interesa por los rumores sobre un concurso de belleza entre las diosas celebrado en el Monte Ida. Paris, hijo del rey de Troya Príamo, llega a continuación disfrazado de pastor, y le revela a Calcas que ha sido él, en efecto, quien obligado a emitir un juicio, le concedió la manzana del triunfo a Venus; la diosa agradecida, le ha prometido a la mujer más bella del mundo, que no es otra que Helena. Después de una alocada irrupción de Orestes, hijo de Agamenón y sobrino por tanto de Helena y Menelao, se presentan los reyes de Grecia para celebrar la fiesta de Adonis. Una charada en forma de adivinanza ha de revelar al hombre más inteligente; tras el fracaso del ardiente Aquiles y los dos Ayax, es el falso pastor quien se adelanta y da con la solución. Helena, que ya se había sentido fatalmente atraída por el joven al verle antes de la prueba, corona transida de amor al vencedor, que confiesa a todos entonces su verdadera personalidad. En medio del júbilo general, un oráculo amañado por Calcas bajo el dictado de Venus obliga al apático Menelao a marcharse a Creta, dejando sola en Esparta a su bella esposa. Acto II A pesar de las cuatro semanas de soledad y abstinencia, Helena se resiste a la fatalidad amorosa que (inspirada por Venus) le esta empujando a ceder al asedio del hermoso Paris, muy contrariado por sus negativas. Mientras el séquito de Agamenón se entrega al juego y al alcohol, Helena sueña con su amor imposible por el joven. Pero el sueño se hace realidad, y cuando ella y Paris están a punto de alcanzar el éxtasis, se presenta Menelao en la alcoba. A la indignación del marido se suman las fantasías guerreras de Agamenón beodo, el disimulo de Paris y la protesta semi-inocente de Helena. Pero con la precipitada marcha del príncipe troyano se evitará de momento, la tragedia. Acto III En el retiro veraniego de Nauplia la corte vive en un desenfreno instigado por Venus, que quiere vengarse del fracaso de sus planes de premiar a Paris con Helena. Agamanón y el sacerdote Calcas ruegan a Menelao que se sacrifique cediendo a los designios de la diosa y cediendo a su esposa, que sigue proclamando su fidelidad. Pero Menelao tiene otra solución: ha pedido el consejo del augur de Venus, que resolverá el dilema. Ante la ira de Calcas, que resiente la competencia, llega un barco de Citerea, y en él su Gran Augur, que no es otro que Paris disfrazado. Después de predicar la alegría al pueblo, dictamina: la reina ha de embarcar para la isla de Citerea, custodiada por él mismo y haciendo sacrificios a la diosa. La propuesta es muy bien recibida por todos excepto por Helena, que sólo al saber quien se esconde detrás del disfraz acepta. El barco zarpa con los enamorados, pero pronto el engaño es advertido, y Agamenón y Menelao se disponen al combate. La guerra de Troya está al llegar.

DON QUIXOTE

Don Quijote’, considerado como uno de las ballets más destacados del repertorio clásico mundial, narra en tres actos las andanzas del caballero medieval creado por Miguel de Cervantes en 1605. El montaje basado en el segundo volumen de la novela, se centra principalmente en las aventuras que atraviesan Don Quijote y Sancho Panza en la relación de amor de la pareja formada por Kitri y el barbero Basilio. En el argumento Don Quijote ayuda a que se consolide el amor entre ellos para que ésta no se case con Gamash, un hombre rico y poderoso. El montaje, bajo la dirección artística del maestro Taranda, la música de Ludwig Minkus y libreto de Marius Petipa y Alexander Gorsky, incluye cerca de 120 trajes diferentes, seis cambios de decorado, 45 bailarines y diez solistas, todos procedentes de los mejores ballets de Moscú y San Petersburgo. Entre ellos, los primeros bailarines, Yara Araptanova, Anna Ivanova, Alia Tanykpaeva, Nariman Bekzhanov, Alexander Volkov, Ana Pashkova y Alexey Gerasimov

INTERVALO CON LA DANZA : RUDOLF NUREYEV .MINKUS:"DON QUIXOTE" POR RITA AMODEI

Ballet en tres actos, basado en el capítulo XIX del segundo libro de "El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha" de Miguel de Cervantes Saavedra. La música es compuesta por Ludwig Minkus. La premiére mundial del ballet se efectuó el 26 de diciembre de 1869 en el Teatro Bolshoi de Moscú a solicitud de los Teatros Imperiales de Rusia. El propio Petipa revisaría en múltiples ocasiones esta obra y a partir de las diferentes versiones realizadas por el coreógrafo marsellés, el ruso Alexander Gorsky reconstruyó la obra en 1900 obteniendo un gran exito. El argumento -extraído del segundo volumen de la novela de Cervantes- se encuentra principalmente centrado en los amores Kitri y el barbero Basilio, Don Quijote y Sancho Panza, cuyos personajes míticos atraviesan una serie de aventuras en torno a la joven pareja.

HOMENAJE A UNA DIVA DE ANTOLOGIA..MONSERRAT CABALLE : PUCCINI : "TURANDOT" POR RITA AMODEI

La principessa Turandot - Montserrat Caballe Calaf - Giuseppe Giacomini Liù - Leona Mitchell Ping - Michel Philippe Pang - Rémy Corazza Pong - Robert Dumé Timur - Pierre Thau L'imperatore Altoum - Michel Sénéchal Conductor - Seiji Ozawa Orchestra - L'Opéra de Paris Chorus - L'Opéra de Paris [editar] Composición Cita del aria In questa reggiaTurandot es un nombre de origen persa que significa “La hija de Turan”. Turan era una región de Asia Central que era parte del Imperio persa. El origen de la historia de Turandot se remonta a un poema de Nezami, uno de los grandes poetas épicos de la literatura persa, llamado Las siete bellezas o Las siete princesas. Este poema relata la historia de un príncipe persa de la época Sasánida, que tenía 7 princesas, cada una de ellas proveniente de un lugar distinto del imperio: Egipto, China, Rusia, Grecia, Turquía, India, Asia central. Una de estas princesas, de origen ruso, no encontraba ningún hombre que fuera digno de ella, y por eso se encerró en una fortaleza y declaró que se entregaría al hombre que la encontrara y pudiera resolver una serie de enigmas. Pero una vez resueltos los enigmas, debía pasar por su “puerta secreta guardada por misteriosas espadas que amenazan con decapitar al intrépido”. Esta historia fue recogida por Francois de la Croix, un orientalista francés contemporáneo de Antoine Galland, traductor de Las mil y una noches, en una colección de cuentos llamada Los mil y un días. En esta obra se hace una transposición cultural de la princesa rusa original a una fría y cruel princesa china llamada “Turandokht”. Esta transposición tiene como objeto acentuar el carácter exótico de la historia. A partir de este relato, Carlo Gozzi creó una tragicomedia al estilo de la Comedia del arte, que luego fue recreada por el poeta alemán Friedrich Schiller. El texto de la ópera está basado en una traducción italiana de esta obra. Puccini comenzó a trabajar en Turandot en marzo de 1920 después de reunirse con los libretistas Giuseppe Adami y Renato Simoni. Inició la composición en enero de 1921. En marzo de 1924, había completado la ópera hasta el dueto final. Sin embargo, no había quedado satisfecho con el libreto del dueto y no reanudó el trabajo hasta el 8 de octubre, escogiendo la cuarta versión que hizo Adami del texto. El 10 de octubre diagnostican a Puccini cáncer de garganta y muere pocas semanas después, el 29 de noviembre, dejando tan solo treinta y seis páginas con esbozos sobre el final de Turandot. Puccini también dejó instrucciones para que Riccardo Zandonai terminara la ópera, sin embargo su hijo Tonio objetó esta decisión y Franco Alfano fue comisionado para concluirla. El 12 de abril se cumplió otro aniversario del nacimiento de Monserrat Caballe , una de las mas grandes sopranos de todos los tiempos .Tuve el honor de conocer a esta artista de excelencia cuando yo integraba el Coro de Niños del Teatro Colon de Buenos Aires con Direccion del Maestro Valdo Sciammarella .Monserrat debutaba por ese año em el roll de Liu compartiendo el protagonismo con Birgit Nilsson .No es una casualidad que hoy eleija para rendir tributo a esta gran Dama de la escena lírica la misma opera con la que ellahiciera su presentación el el Teatro Colón. Hablar de los méritos artísticos de Caballe es superfluo ya que conocemos de sobra su superior y continuada calidad en todas y cada una de sus participaciones liricas . Desde este blog le deseamos un Feliz nuevo año de vida y 100 años mas con nosotros .

RENEE FLEMING .GAETANO DONIZETTI : "LUCREZIA BORGIA " POR RITA AMODEI

Lucrezia Borgia - Renee Fleming
Gennaro - Marcello Giordani
Don Alfonso - Dean Peterson
Maffio Orsini - Stephanie Blythe
Jacopo Liveretto - Martin Dillon
Don Apostolo Gazella - Charles Robert Stephens
Ascanio Petrucci - Christopher Mooney
Oloferno Vitellozzo - Brian Nedvin
Gubetta - Michael Corvino
Rustighello - Justin Vickers
Astolfo - Luiz-Ottavio Faria
Un servo - Bryan Register
Un coppiere - Don Barnum

Conductor - Eve Queler
Orchestra - Opera Orchestra of New York
Chorus - Ars Musica Chorale


Lucrezia Borgia es un melodramma, u ópera, en un prólogo y dos actos compuesta por Gaetano Donizetti. El libreto fue escrito por Felice Romani basándose en el drama homónimo de Victor Hugo, a su vez según la leyenda de Lucrecia Borgia. Se estrenó en La Scala de Milán el 26 de diciembre de 1833 en Teatro de La Scala, Milán con Lelande y Pedrazzi. Aunque no se representa tan regularmente como algunas de las partituras más populares de Donizetti, el aria de Lucrecia "Com'è bello", de Orsino Brindisi "Il segreto per esser felice", del tenor "Di pescator ignobile", y el aria de bajo "Vieni, la mia vendetta!" son todas momentos melódicos famosos y muy efectivos de la ópera y han sido representadas y grabadas con frecuencia.

INTERVALO CON LA DANZA . PROKOFIEV : ROMEO Y JULIETA - RUDOLF NUREIEV POR RITA AMODEI

Sergei Prokofiev (1891-1953) fue un artista de ida y vuelta, que sólo se instaló en los moldes de la vida soviética a mitad de su vida, no como consecuencia de un cambio ideológico, sino más bien de su compleja, múltiple y a veces contradictoria personalidad. En su autobiografía definió hasta cinco «líneas estilísticas» en su música: la clásica, la modernista (caracterizada por la tendencia a la atonalidad y aún a la cacofonía intencionada), la «motorista» (con ritmos 'ostinato'), la lírica y la grotesca o burlona. Pero no se trata, como el mismo Prokofiev se cuidó de advertir, de etapas o periodos, sino de tendencias superpuestas, que se alteran o confluyen según los casos. Si hubiera que señalar periodos, sería preferible enumerar uno modernista, otro neoclásico (con muchas sinuosidades), y un tercero adaptado a la música soviética (también con cambios y hasta tendencias «desviacionistas»).

'Romeo y Julieta' (1935) fue la obra que congració a la Unión Soviética con la gloriosa tradición del ballet ruso, hasta entonces poco menos que prohibido. 'Romeo y Julieta' es una obra extensa -más de tres horas de representación-, que gustó en Rusia por su colorido y su aparente aire popular, y en Occidente por sus rasgos originales y sus audacias expresivas. El ballet permite, como el cine, muchos recursos atonales o antiarmónicos, que son aceptados como golpes de efecto, y que parecerían estridentes o cacofónicos en un simple concierto. Prokofiev supo aquí bascular inteligentemente entre dos gustos y entre dos hemisferios; fue quizá su mayor triunfo a escala mundial.



LA SECCION INTERVALO CON LA DANZA ESTA DEDICADO A : JOSE NEGLIA , NORMA FONTENLA , MARGARITA FERNANDEZ , MARTHA RASPANTI , SARA BOCHCOBSKY , ANTONIO ZAMBRANA, CARLOS SCIAFINO , CARLOS SANTAMARINA Y RUBEN STANGA .INMEMORIAN DE NUESTROS BAILARINES DEL TEATRO COLON DE BUENOS AIRES .

SUCESO ARTISTICO EN EL TEATRO COLON . MAGNIFICA PRESENTACION DE ANGELA GHEORGHIU Y ROBERTO ALAGNA POR RITA AMODEI

UNA SALA A PLENO APLAUDIO FERVOROSAMENTE LA PRESENTACION DE LA GRAN SOPRANO RUMANA ANGELA GHEORGHIU Y SU ESPOSO EL TENOR ROBERTO ALAGNA .

ESTO SUCEDIO EL PASADO MIERCOLES 11 DE ABRIL DENTRO DEL MARCO "CONCIERTOS DEL BICENTENARIO 2012 " EN LA SALA MAYOR DEL TEATRO COLON DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES .

EL CONCIERTO TUVO , COMO SIEMPRE, LA IMPRONTA DE LA SUPERIOR CALIDAD VOCAL , MUSICAL E INTYERPRETATIVA DE GHEORGHIU Y ALAGNA .

EL PROGRAMA FUE ATRACTIVO Y DINAMICO CON EXITOS QUE CONSAGRAN A LA PAREJA DE ARTISTAS INVITADOS Y FUERON VEHICULO APROPIADO PARA EL DESPLIEGUE DEL TALENTO Y MAGNETISMO DE ANGELA Y LA HERMOSA Y VIRIL VOZ DE ROBERTO ALAGNA.

ES INDUDABLE QUE POR MERITOS DE SU VIRTUOSISMO ANGELA GHEORGHIU Y ROBERTO ALAGNA SE UBICAN COMO PRIMEROS ENTRE SUS PARES Y LO DEMUESTRAN LA PRUEBA DE FUEGO QUE SIGNIFICA UN RECITAL O UN CONCIERTO DONDE LOS INTERPRETES TIENEN UNA MAYOR EXPOSICION Y RIEZGO .

EN DEFINITIVA : DOS ARTISTAS SUNTUOSOS PARA EL IMPONENTE MARCO DEL TEATRO COLON .
EXCELENTE EL DIRECTOR DE ORQUESTA Y LOS MAESTROS DE LA MISMA .

RITA AMODEI

COMENTARIO

Orfeo en los infiernos (título original en francés, Orphée aux enfers) es una ópera cómica en cuatro actos con música de Jacques Offenbach y libreto en francés de Hector Crémieux y Ludovic Halévy. Fue estrenada en el Théâtre des Bouffes de París el 21 de octubre de 1858. Se dice que es la primera opereta larga.[2] [3] Las anteriores operetas de Offenbach fueron obras de un acto a pequeña escala, puesto que la ley en Francia no permitía ciertos géneros de obras largas. Orfeo no sólo era más larga, sino también más arriesgada musicalmente que las piezas anteriores de Offenbach.[4]

También fue la primera vez que Offenbach usó la mitología griega como telón de fondo para una de sus bufonadas. La obra hace referencia al mito del poeta y músico Orfeo y su esposa, Eurídice, el mito amoroso más antiguo de la Grecia clásica. La opereta es una parodia irreverente y sátira feroz de Gluck y su Orfeo y Eurídice y culmina en el galop infernal ("galop infernal") subido de tono que asombró a parte de la audiencia en el estreno. Otros objetivos de la sátira, como se haría típico en las burlesques de Offenbach, son las interpretaciones rebuscadas del drama clásico de la Comédie Française y los escándalos de la sociedad y la política del Segunda Imperio Francés.

El galop infernal del acto segundo, escena 2, es famoso fuera de los círculos clásicos como la música del "Can-can" (hasta el punto de que la melodía es conocida general, pero erróneamente, como "Can-can"). Saint-Saëns tomó prestado el galop, lo ralentizó muy lento, e hizo arreglo para cuerdas para representar a la tortuga en El carnaval de los animales.





En un principio la versión original se componía de dos actos y cuatro cuadros, en versión de opéra bouffe. La primera representación tuvo lugar en el Théâtre des Bouffes Parisiens en París el 21 de octubre de 1858 y tuvo 228 representaciones iniciales. Volvió a la escena unas pocas semanas más tarde, después de que el elenco descansase. Para la producción de Viena de 1860, Carl Binder proporcionó una obertura que se hizo famosa, empezando con su fanfarria encrespada, seguida por una tierna canción de amor, un pasaje dramático, un complejo vals y, finalmente, la renovada música de Can-can.[cita requerida]

La pieza entonces se representó en alemán en el Teatro Stadt, en Broadway, a partir de marzo de 1861. Luego, tuvo 76 representaciones en Her Majesty's Theatre, en Londres, empezando el 26 de diciembre de 1865, en una daptación de J. R. Planché.[cita requerida]

Una versión en cuatro actos, llamada opéra féerie, fue estrenada en el Théâtre de la Gaîté el 7 de febrero de 1874.[5] Con la revisión, se convirtió en una gran opereta, en cuatro actos, divididos en doce cuadros, añadiendo nuevas escenas, cuadros y música. (Con el tiempo ha sido menos popular que la versión original de dos actos.)

Esta ópera sigue en el repertorio, aunque no está entre las más representadas; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 71 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 6.ª en Francia y la segunda de Offenbach, con 55 representaciones.

En los ochenta, la Ópera Nacional Inglesa representó la ópera libremente traducida al inglés por Snoo Wilson con David Pountney. La producción destacó por su retrato satírico de la entonces Primera Ministra del Reino Unido, Margaret Thatcher como el personaje Opinión Pública. La primera representación fue en el Teatro Coliseum en Londres el 5 de septiembre de 1985.[6] La Compañía de ópera D'Oyly Carte representó la obra en los años noventa.[7]

¡FELIZ CUMPLEAÑOS NATALIE DESSAY ! J.OFFENBACH :ORFEO EN LOS INFIERNOS POR RITA AMODEI

Eurydice - Natalie Dessay
Orphée - Yann Beuron
Asistée - Pluton - Jean-Paul Fouchecourt
Jupiter - Laurent Naouri
L'Opinion Publique - Martine Olmeda
and other singers
Chorus and Orchestra of the Opéra National de Lyon
Grenoble Chamber Orchestra
Ballet du Grand-Théâtre de Genève



Argumento (versión bufa original en dos actos ) Acto IEscena 1: Cerca de Tebas

Orfeo y Eurídice, aunque son marido y mujer, se odian el uno al otro. Ella está enamorada del pastor Aristeo, que vive junto a ellos ("La femme dont le coeur rêve"), y Orfeo ama a Cloe, una pastora. Eurídice desea romper el matrimonio pero Orfeo, temiendo la reacción de la Opinión Pública, la atormenta para mantener apagado el escándalo usando música de violín, que ella odia.

Aristeo es, en realidad, Plutón, el dios de los infiernos, que se ha disfrazado. Plutón engaña a Eurídice para que caiga en la trampa, y cuando ella muere, Eurídice descubre que la muerte no es algo tan malo cuando el Dios de la Muerte está enamorada de una ("La mort m'apparaît souriante"). Descienden a los infiernos después de que Eurídice haya dejado una nota informando a su marido.

Todo parece irle bien a Orfeo hasta que la Opinión Pública se entera del asunto y amenaza con arruinar su carrera como maestro de violín a menos que vaya a rescatar a su esposa. Orfeo a regañadientes se muestra de acuerdo.

Escena 2: El Olimpo

La escena se cambia al Olimpo, donde los dioses se duermen de aburrimiento ("Dormons, dormons"). Plutón llega, y revela a los otros dioses los placeres del Infierno, lo que lleva a que se revelen contra la horrenda ambrosía, el espantoso néctar y del puro aburrimiento del Olimpo ("Aux armes, dieux et demi-dieux!"). Júpiter exige saber qué pasa, y ellos se ríen de su hipocresía, burlándose de todos sus affairs mitológicos. La llegada de Orfeo obliga a los dioses a comportarse bien. Hay una cita del Orfeo y Eurídice de Gluck que conmueve a todos los presentes, y Júpiter anuncia que va a ir al Infierno para aclarar las cosas. Los otros dioses le ruegan ir con él, él consiente y se produce una celebración masiva ante estas vacaciones ("Gloire! gloire à Jupiter").
Acto IIEscena 1

Plutón ha encerrado a Eurídice. Júpiter descubre el lugar donde Plutón escondió a Eurídice y se cuela por el ojo de la cerradura al convertirse en una bella y dorada mosca. Encuentra a Eurídice al otro lado, y canta un dúo de amor con ella donde su papel está formado enteramente de zumbido ("Bel insecte à l'aile dorée"). Después, él se descubre y la promete ayuda, en gran medida porque Júpiter la quiere para él mismo.

Escena 2

La escena cambia a una enorme fiesta que los dioses celebran en el infierno, y donde no se puede encontrar ambrosía, néctar ni comportamiento apropiado ("Vive le vin! Vive Pluton!"). Eurídice está disfrazada de bacante ("J'ai vu le dieu Bacchus"), pero el plan de Júpiter de llevársela se ve interrumpido por la llamada a la danza. Las cosas se animan cuando llega la pieza más conocida de la opereta, el famoso cancán ("Ce bal est original") al que todos se abandonan salvajemente.

Entran Orfeo y la Opinión Pública, pero Júpiter tiene un plan, y promete mantener a Eurídice lejos de él. Orfeo no debe mirar atrás, o perderá a Eurídice para siempre ("Ne regarde pas en arrière!"). La Opinión Pública lo vigila atentamente, para evitar que se dedique a engañar, pero Júpiter lanza un raya que sobresalta a Orfeo y hace que mire atrás, de manera que todo acaba felizmente, con una repetición del cancán.

DE REGRESO A LA CASA GOOGLE POR RITA AMODEI

EN RAZON DE INCOVENIENTES PARA LA ENTRADA A LOS SERVIDORES ES QUE REGRESAMOS CON LA OPERA A GOOGLE .

ESPERAMOS QUE ESTE REGRESO SEA BIENVENIDO POR EL PUBLICO DE LA LIRICA Y A TODOS AQUELLOS QUE AMAN LA * BELLA MUSICA *.

PORSUPUESTO QUE ENTRE LOS SONIDOS DE LA LIRICA NO OLVIDAMOS A AQUELLOS APASIONADOS POR EL BALLET .EL BALLET ESTA PRESENTE EN ESTE BLOG PERO SU PROTAGONISTA PRINCIPAL ES LA OPERA Y LAS VOCES Y PARTITURAS QUE LE DAN VIDA . SALUDAMOS A LOS CANTANTES LIRICOS , A LOS DIRECTORES MUSICALES , AL PUBLICO Y A TODOS LOS QUE MANTIENEN CON VITALIDAD AL GENERO TEATRAL Y MUSICAL MAS COMPLETO Y SUBLIME . RITA AMODEI

ACONTECIMIENTO LIRICO DEL AÑO :ANGELA GHEORGHIU -ROBERTO ALAGNA POR RITA AMODEI

Dentro del ciclo especial "Conciertos del Bicenteneario " , el Teatro Colon de la Ciudad de Buenos Aires presenta a la Soprano Angela Gheorghiu y al tenor Roberto Alagna .
Los aplaudios artistas se presentan esta noche miercoles 11 de Abril con u n programa musical atractivo y que permite el despliegue de todo el talento vocal y dramatico de ambos interpretes .

Angela Gheorghiu es reconocida por el publico y la critica y es estrella absoluta de los mas destacados teatros de la opera y salas de concierto . Gran actriz su tecnica vocal depurada y su hermosa voz la distinguen entre las cantantes de primera linea .

Es reconocido el virtuosismo tecnico vocal de Roberto Alagna . Este tenor consagrado a nivel internacional engalana cada una de sus presentaciones con impecable y apasionado abordaje de cada rol lirico .

Les damos la bienvenida t recordamos que todavia hay en existencia sobrante de localidades en el Teatro Colon para este Concierto .




La Temporada 2012 del Teatro Colón promete momentos históricos como el que tendrá lugar el próximo miércoles 11 de abril, a las 20 y 30 horas, cuando se presenten sobre su escenario la soprano Angela Gheorghiu y el tenor Roberto Alagna.
Gheorghiu y Alagna, una de las parejas de cantantes más aclamadas en el mundo entero, se presentarán junto a la Orquesta Estable del Teatro Colón, dirigida por el maestro español Ramón Tebar e interpretarán un programa compuesto por “Adriana Lecouvreur” y “L´Arlesiana” de Francesco Cilea, “Manon Lescaut”, “Tosca” y Edgar” de Giacomo Puccini, “L'amico Fritz” de Pietro Mascagni y “La Wally” de Alfredo Catalani