JAMES LEVINE -RENATA TEBALDI - PLACIDO DOMINGO Y OTROS . G. PUCCINI : LA FANCIULLA DEL WEST POR RITA AMODEI

NATALIA OSIPOVA Y COMPAÑIA DE BALLET TEATRO BOLSHOI . MOSCU . LEO DELIBES : COPPELIA POR RITA AMODEI

DANZA : CORTESIA ESCUELA DE DANZA MARTHA GRAHAN USA . CLASE DE TECNICAS POR RITA AMODEI

ESTA ES LA Iº DE LAS CLASES QUE POR CORTESIA DE LA ESCUELA MARTHA GRAHAN LLEGAN A TODO EL MUNDO . AGRADECEMOS A LA PRESTIGIOSA ESCUELA NORTEAMERICANA. (Allegheny, EE UU, 1894 - Nueva York, 1991) Coreógrafa y bailarina estadounidense. La renovación experimentada por el lenguaje de la danza durante el siglo XX tuvo uno de sus puntales en la aportación de esta bailarina. Según su concepción, la danza, como el drama hablado, debe explorar la esencia espiritual y emocional del ser humano. En este sentido es como hay que interpretar coreografías tan innovadoras en su día como Frontier, estrenada en 1935, y Carta al mundo, de 1940, o toda la serie de trabajos que realizó sobre temas de la mitología clásica, como Errand into the Maze (1947), Viaje nocturno (1948), Alcestis (1960), Fedra (1962) y Circe (1963). En una órbita diferente y más convencional se sitúa uno de sus mayores éxitos: Primavera apalache (1944), con música de Aaron Copland, ejemplo del interés de Graham por las danzas indias. En 1980 su estilo giró hacia el neoclasicismo. De su compañía han surgido algunas de las grandes figuras del ballet contemporáneo, como Merce Cunningham. Martha Graham en Judith (1950) Martha Graham se formó en la escuela de danza Denishawn de Los Ángeles, donde tuvo como profesores a Ted Shawn y Ruth Saint Denis. En 1923 se trasladó a Nueva York e intervino en diversas producciones de Broadway. Allí dirigió también, entre 1924 y 1925, la sección de danza de la escuela de música Eastman en Rochester. En 1926 fundó su propia compañía y empezó a preparar sus propias coreografías, destinadas a marcar la historia de la danza. Desde sus primeras coreografías, Martha Graham rehuyó la exuberancia de las producciones de Denishawn y apostó por una sencillez espartana tanto en el vestuario como en la escenografía; su peculiar línea de danza, de movimientos severos y angulosos, causó al principio rechazo, pero su fuerte expresividad le dio pronto adeptos incondicionales. A la vez que creaba sus coreografías, desarrolló diversas técnicas con las que formó a jóvenes bailarines, y que incluían trabajos de tensión y relajación y de armonización de movimiento y respiración. A partir de 1934, Graham se sirvió exclusivamente de música especialmente compuesta para ella para preparar sus coreografías. Contó para ello con la colaboración de destacados compositores norteamericanos como William Schuman, Aaron Copland y el que fue durante gran parte de su carrera su director musical y socio, Louis Horst. En sus últimos montajes profundizó en el uso expresivo, a veces simbólico o alegórico, del vestuario, la iluminación y el diseño escenográfico, para el que contó con artistas como el escultor Isamu Noguchi. Sus trabajos de los años veinte y treinta pusieron de manifiesto su actitud contra la injusticia social: Revuelta (Honegger, 1927), Inmigrant (Slavenski, 1928), Cuatro insinceridades (Prokofiev, 1929) y Lamentation (Kodaly, 1930). Mostró también su interés por la tradición india en Primitive Misterys (Horst, 1931), Frenetic Rhythms (1933) American Provincials (Horst, 1934) y Frontier (Horst, 1935). Este último trabajo, de siete minutos de duración y mucho más dramatizado, evocaba la aventura de una campesina americana en el tiempo de los pioneros. Algunos de sus trabajos posteriores revelaron un claro compromiso político. Dedicó Deep Song (Cowell, 1937) al sufrimiento de la mujer durante la guerra civil española. Su rechazo al nazismo causó su negativa a actuar en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Berlín (1936). En 1937 creó la coreografía American document, una historia condensada de los Estados Unidos que representó en la Casa Blanca, ante el presidente Roosevelt.

DANZA : COMPAÑIA DE BALLET KIROV EN EL TEAQTRO MARIINSKY -S. PETERSBURGO - . ADAM : EL CORSARIO PÒR RITA AMODEI

El ballet "El Corsario" se estrenó en la Ópera de París en 1856, con coreografía de Joseph Mazilier inspirada en el poema de Lord Byron. Aunque la partitura de la obra pertenece a Adolphe Adam, el presente pas de deux, añadido por Marius Petipa en 1899, utiliza música de Riccardo Drigo. En 1868, Marius Petipa y Jules Perrot hicieron una reposición de este ballet para el Teatro Bolshoi de Moscú que es la que conocemos en nuestros días. El Corsario - Ballet en tres actos Fragmentos coreográficos de: Jules Perrot, Konstantine Sergeyev, Alexander Chekrygin. Música: Adolphe Adam. Fragmentos musicales de: Cesare Pugni, Léo Delibes, Ricardo Drigo. Libreto: Vernoy de Saint-Georges y Joseph Mazilier en versión de Yuri Grigorovich. Inspirado en el poema de Lord Byron. Escenografía: Nikolai Sharonov. Estrenada en 1856 en la Ópera de París, con música de Adolphe Adam. Reestrenada en 1858 en San Petersburgo dirigida por Jules Perrot, a la cual Cesare Pugni añadió nueva música y Marius Petipa creó una nueva coreografía basándose en los autores del libreto, Joseph Mazilier y Vernoy de Saint-Georges. Acto I: El naufragio El corsario Conrad y sus amigos Birbanto y Alí naufragan durante una tempestad y están varados en una playa del Mar Jónico. Medora, su amiga Gulnara y otras compañeras encuentran a los náufragos y Conrad se enamora inmediatamente de Medora. Pero aparece Lankedem, el vendedor de esclavas, y las toma prisioneras. El Corsario jura rescatarlas. En el mercado, Lankedem ha reunido a los pachás para realizar una subasta de esclavas argelinas y palestinas, incluyendo también a Medora y Gulnara. El seid Pachá queda prendado de Gulnara y la compra. Lankedem había reservado a Medora para el final y cuando el seid Pachá le ofrece todo el dinero que le queda por ella, aparece un forastero (que no es otro que Conrad disfrazado) y logra comprarla. Mientras, los amigos del Corsario toman prisionero a Lankedem y liberan a las muchachas, menos a Gulnara, quien ya había sido llevada al palacio del seid Pachá. Acto II: Los piratas En la caverna de los piratas, Medora intenta persuadir a Conrad para que abandone la vida de bandolero y deje libre a las prisioneras, pero Birbanto y sus amigos no están de acuerdo, pues ellos ya pensaban venderlas y repartirse las ganancias. Se desata una pelea y Birbanto pacta con Lankedem para darle un somnífero a Conrad y así poder llevarse a Medora. El plan surte efecto y los dos se llevan a Medora mientras Conrad duerme. Acto III: El palacio El seid Pachá está en su palacio rodeado de odaliscas que bailan para él. Llega Lankedem con una sorpresa: Medora, que baila tristemente pensando en Conrad, aunque se alegra luego al reencontrarse con su amiga Gulnara en el Jardín animado. Conrad y sus amigos llegan al palacio disfrazados de peregrinos y logran liberar a Medora y Gulnara. Durante la fuga, el Corsario se entera de la traición de Birbanto y lo mata. Conrad, Medora, Alí y Gulnara parten en busca de la felicidad. Epílogo El barco con Conrad y Medora a bordo lucha con las altas olas nadando hacia la libertad.

Z. MEHTA -W. MEIER . R.WAGNER : TRISTAN UND ISOLDE POR RITA AMODEI

Tristan:Jon Fredric West; King Mark: Kurt Moll; Isolde: Waltraud Meier; Kurwenal:Bernd Weikl; Melot: Claes H. Ahnsjo; Brangäne: Marjana Lipovsek; Shepherd: Kevin Conners; helmsman: Hans Wilbrink; young sailor: Ulrich Ress - Bayerische Staatsoper Chor and Bayerische Staatsoper Orchestra - Conductor: Zubin Metha Tristán e Isolda (título original en alemán, Tristan und Isolde) es una ópera en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner, basado en gran medida en el romance de Godofredo de Estrasburgo. Fue compuesta entre 1857 y 1859 y se estrenó en Múnich el 10 de junio de 1865, bajo la batuta de Hans von Bülow. Wagner no la llamaba ópera sino Eine Handlung, que se traduce como «drama musical»; este término lo usó el dramaturgo español Calderón para sus dramas. Forma parte del Canon de Bayreuth. La composición de Wagner de Tristán e Isolda fue inspirado por su aventura con Mathilde Wesendonck y la filosofía de Arthur Schopenhauer. Reconocida ampliamente como una de las cumbres de su repertorio operístico, Tristán destaca por el uso avanzado de Wagner del cromatismo, la tonalidad, el color orquestal y suspensión armónica. El primer acorde de la ópera, llamado el «acorde de Tristán», se considera de gran importancia en el desarrollo de la armonía tonal tradicional. La ópera fue muy influyente entre los compositores clásicos occidentales y proporcionó inspiración a compositores como Gustav Mahler, Richard Strauss, Karol Szymanowski, Alban Berg y Arnold Schoenberg. Muchos ven Tristán como el comienzo del fin de la armonía convencional y la tonalidad y consideran que establece la base para la dirección de la música clásica en el siglo XX.[2]

R.MUTI -M. GULEGHINA -S. LICITRA.L. NUCCI . PUCCINI : TOSCA POR RITA AMODEI

Floria Tosca - Maria Guleghina Mario Cavaradossi - Salvatore Licitra Il barone Scarpia - Leo Nucci Il Sagristano - Alfredo Mariotti Cesare Angelotti - Giovanni Battista Parodi Spoletta - Ernesto Gavazzi Sciarrone - Silvestro Sammaritano Un pastore - Virginia Barchi Un carceriere - Ernesto Panariello Conductor - Riccardo Muti Orchestra - Teatro alla Scala Tosca es una ópera en tres actos, con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa. Fue estrenada con éxito en Roma, el 14 de enero de 1900, en el Teatro Costanzi. El texto de la obra está basado en un intenso drama, La Tosca, de Victorien Sardou, presentado en París en 1887, donde actuaba la gran actriz Sarah Bernhardt. Tosca es considerada una de las óperas más representativas del repertorio verista italiano, por su intensidad dramática y por contener algunas de las arias más bellas del repertorio. El argumento combina amor, intriga, violencia, pasión y muerte. Junto a Madama Butterfly y La Bohème, integra el trío de óperas más conocidas de Puccini. Musicalmente, la obra se mantiene en el estilo desarrollado por Puccini hasta el momento: continuidad del discurso musical, roto apenas por una o dos arias. Las escenas más impactantes son el Te Deum del final del primer acto, y las arias Vissi d'arte (para Tosca) y E lucevan le stelle (para Mario). Dramáticamente, el segundo acto es de una intensidad inigualada por otra obra de Puccini. La acción transcurre en Roma, el 14 de junio de 1800, cuando Napoleón vence a Austria en la batalla de Marengo.

ANNA NETREBKO EN LA WINNER STAATS SOPER . DONIZETTI : ANNA BOLENA POR RITA AMODEI

Anna Bolena : Anna Netrebko Giovanna Seymour : Elina Garanca Enrico VIII : Ildebrando D'Arcangelo Lord Riccardo Percy : Francesco Meli Smeton : Elisabeth Kulman Hervey : Peter Jelosits Lord Rochefort : Dan Paul Dumitrescu Vienna State Opera Chorus and Orchestra Conductor : Evelino Pido Ana Bolena (título original en italiano, Anna Bolena) es una tragedia lírica en dos actos con música de Gaetano Donizetti y libreto en italiano de Felice Romani, basado en Enrico VIII ossia Anna Bolena de Ippolito Pindemonte y Anna Bolena de Alessandro Pepoli, ambas sobre la vida de Ana Bolena, la segunda esposa del rey Enrique VIII de Inglaterra. Fue estrenada en el Teatro Carcano de Milán, el 26 de diciembre de 1830. Estrenada en España en el Teatro de la Cruz de Madrid en 1832. El dúo "Sul suo capo aggravi un Dio" entre Ana (soprano) y Juana Seymour (mezzosoprano) está considerado uno de los mejores de todo el repertorio operístico. Esta ópera forma parte de una serie de óperas de Donizetti que tratan del período Tudor en la historia inglesa, y que incluye Roberto Devereux (titulada por el supuesto amante de la reina Isabel I de Inglaterra), María Estuardo (titulada por María, reina de los escoceses) y El castillo de Kenilworth. Los principales papeles femeninos de las óperas Ana Bolena, María Estuardo, y Roberto Devereux son a menudo conocidos como las "Tres Reinas de Donizetti."